天堂电影院中圣母像象征含义

1. 【蒙娜丽莎】【西斯廷圣母】被誉为文艺复兴时期的作品的原因

公元十四世纪，处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了，新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。他们和人民大众在一起，展开了政治，文化上的反封建的斗争，欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。

复兴即“再生”的意思，文艺复兴目的称号在于恢复古希腊古罗马的文化艺术。但其实质是资产阶级要建立新的上层建筑，为了借用前人文艺这个武器来扫清前进道路上的障碍。在美术上，当时的“复兴”指的是两个方面。一是人性的复兴，此前的美术家无法表现自己的艺术追求，只能千篇一律地表现神——基督和他的门徒。世间的人是匍匐于神脚下的芸芸众生，在美术中得不到应有的位置。文艺复兴时期的美术家意识到人的尊严，敢于面向活跃的现实社会，敢于描绘生活中的人和事，使美术的内容有了巨大的变化。二是古典艺术的复兴。意大利的故地是古代罗马，它遍地有古希腊古罗马的艺术遗迹。经千年沉睡之后，许多遗迹被发现。在艺术家面前焕发出崭新的光辉。于是，美术造型有了楷模，要重归，“复兴”古典艺术的风格。

《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的西方妇女肖像，她面庞秀丽，形象逼真，似乎是真人的存在。坦然自信的神态流露出不可捉摸的带有神秘的微笑，呈现出一种高贵而不可侵犯的尊严，看的人仿佛也随之自尊、自重起来，这是对人的一种赞颂。《蒙娜丽莎》是文艺复兴时期的作品，此前是中世纪宗教统治的时代，是对人类压抑的时代，其作品都是以神为题材的。达·芬奇的《蒙娜丽莎》一反传统，画的是活生生的人，以真人为表现内容，此可以领悟到其思想意义的内涵，这是代表新兴资产阶级打碎教会精神枷锁的革命。 《西斯廷圣母》是拉斐尔最杰出的圣母像之一，它原本为一幅祭坛画，是教皇尤利乌斯二世送给西斯廷教堂一所女子修道院的献礼。如今，这幅作品被摆放在德国的一家博物馆里，尽管失去了它从前的环境，但是它本身神圣的魅力足以让人无法抗拒。博物馆的工作人员把它安置在一间单独的大厅，凡是进到这里的人都会寂静无语，这些与真人等大的人像一定让他们感受到了某种来自天国的气息。
画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母怀抱圣婴，脚踩祥云，徐徐而来。长裙的红色象征她是“圣家族”的一员，斗篷的深蓝色意味着她是人间最圣洁的女子，这两种颜色是圣母程式化的代表色。帷幕左边身穿金色锦袍的男性长者正是西斯廷教堂的创建者圣西斯图，他脱下教皇的宝冠，虔诚地躬候圣母圣子的到来。右边的年轻女子乃圣母的信徒芭芭拉，她恭敬地扭转身来，将手捧于胸前。他们二人的姿势会给人带来这样的视觉印象：圣母正在从天堂进入到教堂的空间里来。拉斐尔适当地运用了那个时代最出效果的短缩透视法。你看，在教皇的手指尖和圣母的衣裙之间，留出了多有纵深感的空间。画面底部有一根深色的栏杆，这就是教堂的入口吧，虚与实的界线，教皇将他的宝冠放在上面。扒在栏杆上的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，他们是在聆听圣诞节时教堂里奏起的管风琴音乐吗？一片稚气童心跃然画上，他们的形象多次被单独印成畅销的明信片。
画面对美丽与神圣，爱慕与敬仰，都把握得恰到好处，显示出拉斐尔所特有的和谐、圆融、高雅、明快的格调，但同时也蕴含着挥之不去的哀愁。圣婴依偎在母亲的怀中，他对自己未来的命运尚未知晓，却已然流露出一丝惊恐。圣母的表情也是矛盾的，她知道，这个孩子不仅属于自己，他是被上帝选中的，必将通过走向十字架的牺牲来拯救苦难深重的世界。尽管抑制不住内心的悲伤，但她还是来了，来为人间送上她唯一的爱子。诗人但丁曾对这位天神降临人间的女王唱出了如下赞歌，放在此处依然恰当：她走着，聆听充溢在四周的颂扬，身上放射着福祉的温和之光，仿佛天上的精灵，化身出现于尘世的土壤。

拉斐尔《西斯廷圣母》说明（02）：
在拉斐尔留下的无数杰作之中，最著名的当数《西斯廷圣母》，这幅被绘制于梵蒂冈著名的西斯廷大教堂内的圣母像，几乎可以被认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬，不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督,她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱,因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。这种伟大的母爱，显现于这个身着简朴衣裙，赤足的年青的妇女身上。她缓步从云端走来，双手抱住紧挨着自己胸前的幼小的基督，微风吹拂起玛利亚的头巾与裙边，侧身站着随同前往人间报信的大天使圣芭芭拉，画面的左端站立着前去欢迎圣母子的降临的教皇西斯托斯。
画面上，帷幔向两边缓缓拉开，圣母马丽亚怀抱婴儿基督从云中冉冉降落。她的脚边，跪着年老的教皇西斯廷二世和年轻美丽的圣徒瓦尔瓦拉，前者穿着沉重的法衣，用手指着圣母应该去的大地，后者目光下垂，虔敬里略带羞怯，似在为母子俩祈祷。圣母面容秀丽而沉静，眉宇之间似有隐忧，为了拯救全人类，她将不得不牺牲自己的爱子。小基督依偎在母亲怀里，他睁着大眼睛望着我们，目光里有一种不寻常的严肃感，似乎他已明白这里所发生的一切。
《西斯廷圣母》在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。13世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌：她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素，单纯中见深奥。画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。从天而降的圣母出现在我们的面前，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝福。

拉斐尔《西斯廷圣母》说明（03）：
《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅画是教皇朱理亚二世送给皮亚琴察西斯廷教堂黑衣修士的作品，拉斐尔受托而为这一教堂的祭坛作画，故有《西斯廷圣母》之名。画面表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯克特，他向圣母圣子做出欢迎的姿态。
而稍作跪状的年轻女子乃圣母的信徒渥娃拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，扒在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅、柔媚、和谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚、升华的精神享受。
拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
在这幅作于1505年的题为《母与子》的圣母像中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。
右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。
她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。
当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的重要位置。
看圣母子的脸，我们可以发现，那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似，这是因为，拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义。

2. 文艺复兴以来画家们为什么热衷于画圣母像

发生在14-16世纪的欧洲文艺复兴运动，其核心精神就是“以人为本位”“强调人的自身价值”的人文主义。这种思想自然会反映在艺术领域。其突出的表现，就是中世纪圣母像的传统绘画模式发生了巨大变化。

文艺复兴时期的圣母像，无论是从圣母的原型上，还是从构成要素以及表现内容上，越来越趋于生活化，凸显出强烈的人文主义色彩。

通过这种方式绘制出来的圣母像，存在着严重的“程式化痕迹”。由于模式是固定的，所以各种圣母像作品也缺乏个性，看起来区别大不。因此，当时绘制圣母像的画家，地位大多等同于工匠。

3. 通过拉斐尔的圣母像我们能感受到什么

拉斐尔是我最喜欢的一位画家之一，他的艺术语言如诗一般的浪漫而又宁静，追求一种古典的理想之美，优雅、和谐与温馨相统一的艺术之美。拉斐尔的艺术精神直接反应了古希腊艺术的思想和气质，体现了文艺复习对古典艺术的理想追求。特别是他所确立的美的形式与精神，与古希腊罗马艺术一样，直接影响了欧洲学院派艺术与古典主义艺术的追求。
在拉斐尔的艺术创作中，似乎始终没有离开过对圣母形象的刻画与表现。他大约创作了数十件有关圣母的作品。《西斯廷圣母》、《大公爵圣母》、《椅中圣母》等。拉斐尔笔下的圣母，尽管刻画的是一位宗教人物，但却赋予她以温柔亲切的感觉。或者像一位雍容华贵的贵妇，庄重中有着些许的超逸；或者像一位贤惠慈祥的民妇，朴实中透出许多人间纯情，不像中世纪的圣母那样具有冷峻孤傲、远离尘世的感觉。《西斯廷圣母》是拉斐尔圣母中最理想型的作品，首先，其圣母形象是理想情感的化身。圣母玛利亚怀抱圣婴款款而来，那端庄自然的体态，亲切温馨的表情，轻松大方的步履，既显示了母性精神的崇高和伟大，也再现了母爱情感的平易与纯真。其次，圣母形象也是精神世界的象征。这幅画完成于1514年，当时意大利社会动荡不安，人们祈求着能有一位救世主的出现，拯救人们于水深火热。拉斐尔笔下的圣母形象，除了以母爱精神和韧性意识引起人们关注外，更容易使人将那种脱却苦难的脆弱神经寄托于这个形象。这幅画代表了拉斐尔较为成熟的人文主义思想和对美好
协和的理想世界的追求。
除了像《西斯廷圣母》所表现出的崇高、庄重、颇富严肃性的形象外，拉斐尔笔下的圣母还流溢着浓郁的民间情感，如田园间的平民妇女那样质朴可亲，真实的呈现了世俗母子亲情。圣母凝视圣婴的 眼神与抚爱圣婴的动作，都充满了民间妇女那种真挚的爱怜与温存抚慰。此外，拉斐尔笔下的圣母都年轻、美丽、圣婴也非常可爱，他完全是以世俗家庭的天伦之乐在处理圣母圣子之间的关系和情感的，从而使宗教题材的绘画洋溢着美满和谐的世俗气氛。

4. 求这张拉斐尔的圣母像名称和介绍

在这幅作于1505年的题为《母与子》的圣母像中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。

右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。

她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。

当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。

5. 圣母像前点蜡烛是什么意思

神圣的标记——蜡烛

●加辣

在人们眼中看似一支小小的蜡烛，既无称奇之处，而且在市场上价格低廉，特别是在当今时代，家家户户都用电灯照明，更不将它放在眼中，即使在人们家中存放，也是将它放在柜子里或桌子底下，甚至有时被摔在地上也熟视无睹，总之，处处遭受人们的冷落，轻视。但当你冷静下来，仔细观察蜡烛还是很漂亮的，特别是它在燃烧的时候，头上的小火苗虽不那么耀眼，尤其是夜间停电，室内漆黑的那一刹那，它给你带来光明，重新燃起希望的一种感觉。记得我小时候经常停电，家中只用泡灯（一种煤油灯）照明，用蜡烛照明似乎有些奢侈，只有大年三十，全家人聚在一起吃年夜饭时才点燃蜡烛，确实从中觉出一些喜庆、欢乐、幸福的气氛。这是就其蜡烛本身而言。

复活期用白色蜡烛

求恩、谢恩用杯蜡

追思亡者混用红白两色蜡烛

圣神降临或殉道者纪念日用红色蜡烛

追思亡者混用红白两色蜡烛

复活期用白色蜡烛

团体祈祷

然而，当教会以“圣仪”（圣仪是模仿圣事而制定的，它与圣事的差别在于圣事是人而天主的耶稣所建立，借圣事将天主的恩宠赋予领受的人；而圣仪是圣教会所制定，教友因教会的转祷而获得天主的恩宠）的方式予以祝福后，就不只限于蜡烛本身所带给人们的意义，这时蜡烛就成为一种神圣的标记，含有一定的意义了。只要是一位基督徒就不难明白，圣教会常以一种有形可见的标记或记号象征不可见的神圣功效，如：“水”这一平常之物，一经被祝福后，凡是领受这“水”的人就可以获得恩宠，并能洁净自己的心灵，安然地度天主子女的生活，这也是每主日弥撒前洒圣水的原因。

蜡烛的标记非常清楚，蜡烛之光象征基督之光，不但可以驱除世俗的黑暗，引领人出离迷津，步入正途。如复活前夕点燃一支大型蜡烛（五伤圣蜡），每一位教友手持一支小蜡烛从大型蜡烛（五伤圣蜡）取火点燃，象征每个人是由基督而来的。因为此时的大蜡烛（五伤圣蜡）象征基督燃烧自己，照亮他人，在黑暗中照亮应走的道路。此外，象征基督的蜡烛比喻在旷野里引导以色列人的云或火柱（参见出13：21）。最初这种迎光礼只是以点燃烛光开始守夜礼，以后逐渐纳入祝福和祝圣蜡烛的礼节，以及在蜡烛上刻划十字“开始”与“终结”以及插乳香钉的礼节等，使人透过具体的图像、标记，认识耶稣基督和他为人类所做的一切，尤其是他被钉在十字架上，为我们做的牺牲，这支蜡烛可以象征基督的身份以及他所完成的救赎工程。

知道了蜡烛本义以及象征的意义后，当你临睡前单独个人或全家人一起祈祷时，不妨点上一根或两根蜡烛，祈祷的气氛就和电灯照明的感觉有所不同，这也是我亲身体验过的。在我未做修女之前，每天晚上独自一个人借着蜡烛头上闪耀着的小小火苗向上主献上我的祈祷时，感觉天主就在我面前，倾听我向他的倾诉。假如你有阅读的习惯，偶尔点上一根蜡烛，感觉一下在蜡烛与电灯下的阅读有什么不同。

蜡烛的颜色是根据礼仪年中不同的节期与不同的礼仪而更换的：将临期和四旬期用紫色；复活期用白色；常年期用绿色；圣神降临瞻礼日及宗徒和殉道者纪念日用红色；精修圣人纪念日用白色；纪念亡者可红白混用。为了满足教会在礼仪年中不同节期、不同礼仪的需要，蜡厂新进了两台机器，开发出花色及规格多样的品种，以满足教会内不同团体、不同祈祷意向的需要。

大家也许还不知道，在北京郊区后桑峪这个小小的山村里，有一小型的制作蜡烛的工厂，负责制作蜡烛的就是北京教区若瑟修女会的修女，她们所制作的蜡烛一方面是为整个教区在礼仪方面提供方便，另一方面也是作为修会生活的来源（因为现在修女的一切生活来源都是靠修女自己），她们所从事的这项工作正像她们修道的初衷，将自己的一切完全奉献给了天主，为了教会的事业像蜡烛一样在燃烧自己，从不计较个人利益的得失，也从不追求名利得失，不分酷夏寒冬，在既单调又枯燥的环境里默默地从事着这项工作，更不用说有什么节假日，再苦再累，为了荣主益人，也在所不辞，她们这种奉献、牺牲的精神正像经由她们双手所制作的蜡烛，蜡炬成灰泪始干。

6. 文艺复兴时期的圣母像和中世纪的圣母像有何不同艺术家们这样设计的用意是什么

文艺复兴时期的圣母像和中世纪的圣母像的区别如下：

（1）形象不同：

中世纪是基督教盛行时期，圣母的形象偏向于宗教的神性，多是将圣母作为神明崇拜，文艺复兴时期强调了圣母的母性，形象也更偏向于普通人类的母亲形象。也就是说，前者是用于供人们崇拜，磕头的形象，而后者是用于体现母爱，表达关爱的形象。

（2）模式不同：

文艺复兴时期的圣母像，无论是从圣母的原型上，还是从构成要素以及表现内容上，越来越趋于生活化，凸显出强烈的人文主义色彩。在文艺复兴运动的晚期，画家更加注重“忠实地描摹自然”，圣母像也更加显得“平民化”。

（3）技巧和画法不同：

在文艺复兴时期，由于突破了传统的限制，画家们敢于进行大胆的尝试，因此不断出现了革新的绘画技巧和画法。透视法的运用，使画家可以在平面画布上表现三维的空间；画家们积极探索绘画材料的运用，让画面更加具有感染力。

所有这些创新的技巧也同样运用在圣母像的绘制中，因此也极大提高了圣母像的艺术表现力。

7. 巴黎圣母院的众多小雕像（指上面有很多不同形态的小人），这些雕像有什么意思，为什么会有这些雕像啊

你指的是门面中层上的一排雕像吧，那些28位古代犹太和以色列君王的雕像。
出自圣经的旧约。比较大的天主教堂一般都会有列王的雕像的。
给你点圣母院正面的一些更全面的介绍：

教堂正门分三层。下层是三个哥特式的拱门。中间门是末日审判门，上雕有“最后的审判”。表现圣经中世界末日上帝进行最后的审判的故事。下层是地狱，上层是天堂。左面的门是圣母门，雕刻有精美的圣母和圣婴。右面的门是圣安娜门。圣安娜是圣母的母亲。